¿No te pasa que en ocasiones estás aburrido de las mismas canciones y le das play a la reproducción aleatoria? Hace unos días, nos encontrábamos en esta situación y quisimos probar suerte. Después de varios saltos y oportunidades, un ritmo nos atrapó. Una canción que, sin saberlo, parecía tener matices de nuestros temas favoritos, una mezcla de sonidos y estilos nos resultaban familiares a algunas y a otras, nuevos.
Reportaje por: Millaray Correa, Catalina Jofré y Javiera Silva
Fue así como añadimos una canción más a nuestras playlists, era una que se combinaba perfectamente con nuestras preferencias y con trazos de algo completamente inesperado. Esta experiencia nos llevó a reflexionar sobre la magia detrás de las conexiones musicales inesperadas, magia que los DJs logran recrear en sus sets que van desde sus mesas de controles hasta nuestros cuerpos, y también la capacidad de los distintos intérpretes en el proceso orgánico de la creación de su música. Para llevar a cabo la búsqueda, hicimos el ejercicio de entrevistar a diversos artistas, indagando en sus procesos creativos y en cómo evolucionan sus sets para mantenerse en sintonía con su público siendo parte de la actual barrera sin fronteras de la experimentación en la fusión de géneros.
Es una tendencia que refleja un movimiento hacia la fusión creativa, donde elementos de techno, rock, ambient, electrónica experimental y otros estilos convergen para crear experiencias auditivas únicas, que trascienden sus raíces para convertirse en un lienzo donde convergen una variedad de influencias musicales. En donde algunos DJs y productores han adoptado una actitud audaz hacia la experimentación, fusionando elementos con diversas vanguardias musicales.
Mezcla maestra: Lugares de un mismo abanico
Uno de los visionarios y casi pionero, es el vocalista Thom Yorke de la famosa banda Radiohead, que tuvo su propio set como DJ en Boiler Room en Junio del 2012 en Londres con más de 2.499.000 visualizaciones, una plataforma que se ha sido viralmente conocida por sus sets en vivo. Thom Yorke, presentó una mezcla de techno, ambient y electrónica experimental, destacando su versatilidad y atrayendo a una audiencia diversa. Posteriormente, reflexionó en la revista Fact en 2013.
“Cuando estaba en Australia, Mark Pritchard hablaba que para muchos DJs sus actuaciones son fuente de ingresos, así que harían lo que funcionara, porque de lo contrario no los contratan. Así que no tomaban riesgos. Pero también comparó, como en diferentes lugares como el Panorama Bar en Berlín, Plastic People en sus inicios en Londres, y Low End Theory, los djs entraban y tocaban lo que les daba la gana, cambiaban de estilos, ¡y ese es el punto!”
Además, lanzó junto a su banda un remix del famoso sencillo Creep titulado Very 2021 Rmx, que explora el synthwave y sintetizadores, alejándose del grunge original. Diseñado en su momento para la serie UNDERCOVER de Jun Takahashi, esta versión extendió la canción a nueve minutos, intensificando su atmósfera con voces distorsionadas y ritmos más lentos con más de 2.655.000 reproducciones en Spotify.
Siguiendo esta línea, y después de explorar cómo Thom Yorke ha experimentado con diferentes géneros musicales en sus sesiones como DJ, entrevistamos a El Em3, un artista emergente de Concepción que se destaca por su enfoque innovador en la fusión de géneros tales como rock, funk e indie. Al preguntarle sobre sus motivaciones para empezar en la música y su decisión de experimentar con distintos estilos, Elm3 reflexionó:
“ Siempre he tratado de no definirme por un solo género. Me gusta hacer canciones y dependiendo de lo que me pida cada canción, es el estilo en el que me meto.”
El Em3 destaca que sus influencias van desde el rock psicodélico de los años 70 hasta bandas contemporáneas como Pink Floyd y Radiohead. Con un proceso creativo que él describe como orgánico y artesanal, busca que su música refleje las experiencias urbanas y la estética de los videojuegos en sus presentaciones, utilizando elementos visuales y sonoros. A lo largo de su carrera, ha visto cómo la mezcla de géneros no solo enriquece su música, sino que también crea experiencias inmersivas para su audiencia. Con una visión de seguir explorando y estudiando música, El Eme3 aspira a ser un músico versátil, capaz de abarcar diversos estilos y contextos.
Otros artistas que no están cerrados a la idea de la indagación experimental son el ex conjunto musical Crystal Castells, quienes mezclaban elementos de diversos géneros como el punk, y el electro punk, generando un sonido un tanto nostálgico como futurista. A través de ritmos pesados, bajos aplastantes, sintetizadores agresivos y formatos de sonido como el chiptune y 8-bit, rememorando la música de videojuegos antiguos, descomponiendo y recontextualizando sonidos familiares de una manera innovadora.
Un ejemplo notable de su capacidad para experimentar y fusionar géneros es el caso del tema «Not in Love», una reinterpretación perteneciente a la banda Platinum Blonde, donde colaboraron con el cantante principal de The Cure, Robert Smith. Lanzada el año 2010 en el tercer sencillo de su álbum Crystal Castles II, presentando una nueva versión con enfoque electrónico al combinar la distintiva voz melancólica de Robert Smith con la base electrónica de Crystal Castles. Esta interpretación cuenta con 34.814.600 millones de visualizaciones en Youtube y 80.490.616 millones de reproducciones en Spotify. Lo que demuestra que estas instancias pueden generar un buen recibimiento por parte de los fanáticos.
Al igual que Thom Yorke y Crystal Castles, la banda Dos Humanos se adentra en la fusión de géneros con un enfoque experimental y una clara intención de romper barreras musicales. Este trío originario de Santiago, quienes debutaron oficialmente desde enero de 2024, ha combinado elementos de post-punk y rock alternativo. Para Dos Humanos, la evolución musical ha sido un viaje constante de descubrimiento y reinvención. Como menciona su vocalista Abraham Vicencio .
“Las influencias que tiene uno van evolucionando. Por ejemplo, a mí me pasó con el rock, con bandas clásicas. En mi infancia, escuchaba a Black Sabbath y cosas así. Después, uno va evolucionando a partir de eso, buscando cosas más atractivas y parecidas, pero tarde o temprano termina cayendo en esos lugares que siempre le han gustado.”
La interacción con el público juega un papel vital en la evolución de su música y la mezcla de géneros, reafirmando la conexión emocional y energética entre la banda y sus oyente. Así, la fusión de géneros se convierte en una herramienta poderosa para crear experiencias musicales únicas y resonantes, demostrando que la experimentación y la innovación pueden llevar la música a nuevos horizontes.
La magia conecta a través de la música
¿Alguna vez te has preguntado qué le ocurre a tu cerebro cuando asistes a un concierto? Nosotras también sentimos curiosidad sobre lo que sucede en nuestro cerebro cuando nos encontramos en entornos llenos de estímulos, como sonidos estridentes y luces que cambian de color al ritmo de la música.
Según estudios neurocientíficos, asistir a un concierto activa múltiples áreas del cerebro simultáneamente, desde la corteza auditiva, encargada de procesar el sonido, hasta la corteza visual, que responde a los cambios de luces y colores. Esta sinergia de estímulos no solo genera una experiencia sensorial intensa, sino que también desencadena la liberación de dopamina, el neurotransmisor asociado con el placer y la recompensa, lo que explica por qué los conciertos pueden ser tan emocionantes y memorables.
En este contexto, la conexión que los DJs y artistas logran establecer con su audiencia es crucial. Un claro ejemplo de ello es El Em3, quién se esfuerza por reflejar la diversidad de estilos y experiencias que forman su música, con el fin de transportar a su público a un mundo diferente, donde cada canción cuenta una historia y cada nota tiene un propósito. Queriendo que su audiencia se sienta partícipe de algo más grande, convirtiendo sus shows en un viaje sensorial y emocional.
La inmersión en la música y la experiencia personalizada no solo enriquecen al público, sino que también inspiran y energizan a los artistas. Tomemos como ejemplo a DJ Baby Lizz, una DJ y MC chilena reconocida por su versatilidad y capacidad para fusionar sonidos del underground latino con influencias del trap, reggaetón y música electrónica. Su carrera incluye actuaciones en festivales internacionales como Lollapalooza y Primavera Sound, además de ser co-fundadora del subgénero neoperreo.
“La interacción con el público es crucial. No me gusta el individualismo en la música, prefiero lo interactivo y estar presente, conectar con la gente. Creo que, especialmente en la música latina, nuestro camino va por acercarse y conectar, no por tocar de manera individualista. La energía del público me da la fuerza necesaria para seguir, y esa conexión es lo que hace que un show sea realmente especial.”
Así mismo, Diegors, DJ y productor chileno destacado en la escena de la música electrónica, también ejemplifica esta conexión profunda con su audiencia. Conocido por su capacidad para mezclar diversos géneros y crear sets dinámicos y únicos, Diegors incluye elementos de house, techno, cumbia, y otros géneros en sus actuaciones.
“La interacción con el público es fundamental, pero es difícil de manejar. No hay una fórmula para esto, y depende mucho del momento y la situación. Personalmente, no preparo mis sets de manera rígida; prefiero estar abierto a cambiar según la reacción del público. La experiencia y el ensayo y error me han enseñado a reaccionar y adaptarme en el momento”
Esta conexión profunda entre artista y audiencia es vital para la evolución y autenticidad de la música. Al conectarse con diferentes públicos, los artistas descubren nuevas formas de expresión y encuentran inspiración en la diversidad de experiencias y perspectivas. El impacto de esta interacción va más allá de lo artístico y toca aspectos de bienestar emocional y físico.
Un estudio realizado en Reino Unido demostró que los niveles de cortisol, la hormona del estrés, en los asistentes a un concierto se redujeron significativamente después de apenas una hora, destacando cómo la experiencia de la música en vivo puede mejorar la salud mental y emocional del público.
El impacto de las plataformas digitales: Boiler Room
Hace unos años, nos encontrábamos escuchando a Kaytranada y, de forma aleatoria, apareció su sesión en Boiler Room, fue sorprendente conocer algo nuevo de un artista que ya admirábamos en conjunto. Esta experiencia nos llevó a descubrir que existen varias plataformas digitales como HöR Berlin, Book Club Radio y The Lot Radio, donde se difunden sets de DJs.
Sin embargo, en los últimos años, hay una que sobresale en cuanto a identidad: Boiler Room. Si bien no es la primera en trabajar este formato, sí ha sido la primera en alcanzar un potencial de expansión tanto a nivel digital como presencial. Han pasado 14 años desde que Blaise Bellville pensó en poner una cámara y transmitir música en directo, hasta ahora su canal de Youtube cuenta con 4.15 millones de suscriptores y más de 9.5 mil videos. Así como también la retransmisión de 4000 directos en 150 ciudades, incluida Santiago de Chile.
Boiler Room ha ido evolucionando en cuántos estilos, si bien en un principio las transmisiones corresponden solo a artistas de la escena de la música techno, hoy en día tiene el desafío de experimentar e invocar junto a otros estilos de género. La sesión con la cifra más alta de público en su historia contó con la confirmación de asistencia de 25.000 personas en sus primeras horas posteriores al anuncio, está es, nada más ni nada menos que el set de la cantante británica de electropop Charli XCX.
Desde 2014 en adelante se han realizado ocho ediciones de este evento en Santiago de Chile, dando lugar a la difusión masiva de artistas nacionales aprovechando el alcance de esta plataforma, logramos entrevistar a tres de ellos, Diegors fue parte del line up en 2016 y Lorelei conocida por combinar elementos de techno, house, ambient, y otros subgéneros, creando una experiencia sonora única y envolvente, estuvo presente en la última edición en 2024.
Para ambos fue una experiencia favorable en torno al masivo alcance de la plataforma, pero por esta misma razón, Boiler Room, al menos las versiones chilenas, carecen del sentido de comunidad del público nicho de la música techno y se ha convertido en un evento más bien comercial. Con respecto a su participación, Diegors nos comentó:
“Me dio mucha exposición, sin embargo, también atrajo críticas y comentarios mixtos, lo que me hizo reflexionar sobre la validación en estas plataformas. Prefiero dar más importancia a otros logros e hitos en mi carrera, como mis discos y las fiestas importantes en mi comunidad.”
Los artistas chilenos no solo han logrado una notable difusión dentro de Chile a través de Boiler Room, sino que también han expandido su presencia a nivel internacional. Un claro ejemplo de esto es DJ Lizz, quien participó en una sesión de la plataforma en Los Ángeles, demostrando así la creciente influencia y reconocimiento de los talentos chilenos en la escena global de la música electrónica.
“Este tipo de eventos permiten una cercanía con el público que no se encuentra en otros lugares. La energía y la interacción con la audiencia en un espacio tan íntimo como Boiler Room le da un brillo especial al evento.”
Cabe destacar que DJ Lizz, además de su carrera musical, es fundadora del evento de fiestas llamado Chismoteka. Siguiendo la misma línea de intriga que Boiler Room, las fechas de realización de este evento se anuncian en fechas y lugares específicos de Santiago y Valparaíso. Este evento se caracteriza por su enfoque en el concepto del neo perreo, atrayendo a un público que disfruta de esta vibrante y moderna expresión musical.
A través de este evento, artistas emergentes han logrado conectar con su público, como es el caso de la DJ colombiana de 21 años, Cyberkaat, con un estilo que se dirige mayormente hacia mujeres y disidencias. Con un set marcado por el reggaetón, el trap, influenciada por la música latina desde su infancia y recientemente encaminada a la guaracha, Cyberkaat se siente más cómoda en el trap sucio y el reggaetón.
Por otro lado, DJ Lorelei, una chilena con una trayectoria más amplia que integra en sus sets House, Deep House, Disco Funk, jazz y elementos de su formación en piano clásico, aporta una rica diversidad musical. Tanto Cyberkaat como Lorelei coinciden en un proceso auténtico y significativo, en el que incorporan elementos y pinceladas de su historia, formando lo que son como artistas actualmente, atreviéndose a la experimentación sin barreras.